Os 50 melhores álbuns de 2025 escolhidos pela Billboard (até agora)

Álbuns de sucesso dominaram as paradas em 2025. Observe a Billboard Hot 100 em vários momentos deste ano e você verá várias músicas no top 50, como “Short n’ Sweet”, de Sabrina Carpenter, “Hit Me Hard and Soft”, de Billie Eilish, “GNX”, de Kendrick Lamar, e “Glorious”, de GloRilla, entre outras — muitas das quais ainda se destacam nas paradas mesmo quando chegamos à metade do ano. O problema disso, considerando 2025, é claro: esses álbuns de grande sucesso foram todos lançados originalmente em 2024.

Sim, tivemos um pouco de dificuldade para nos livrarmos de 2024 — um período de lançamentos grande demais para ser percorrido completamente em 12 meses — até agora neste ano. Lentamente, mas com segurança, 2025 vem se recuperando: vimos álbuns que marcaram a cultura de superestrelas consagradas como Bad Bunny, Lady Gaga e Morgan Wallen, além de projetos de artistas em ascensão como Playboi Carti, Fuerza Regida e Turnstile, além de alguns LPs de estreia empolgantes de novos hitmakers como Central Cee e Addison Rae. E esses são apenas os grandes nomes atuais: como sempre, também houve muitos novos nomes pouco conhecidos que nos surpreenderam, assim como velhos favoritos que tomaram novos rumos que nunca esperávamos.

Você pode encontrar todos eles na nossa lista dos 50 melhores álbuns de 2025 até agora.

Confira — apresentados em ordem alfabética por artista abaixo — e vamos todos nos comprometer a cortar o cordão umbilical com 2024 no segundo semestre do ano.

54 Ultra, “First Works”

Este EP de estreia do 54 Ultra é uma jornada vibrante e mesclada de gêneros, com R&B sintetizado, soul e grooves latinos. A banda formada por um único integrante, criada em Nova Jersey, infundiu neste projeto uma narrativa comovente, letras bilíngues e refrãos cativantes. Com singles de destaque como “Upside Down” e “Talk 2 Me”, além das novas preciosidades “Halo” e “Does He Know It”, este projeto de seis faixas oferece uma introdução suave e sem esforço a um artista cujo som é atemporal, comovente e revigorante.

Addison Rae, “Addison”

Addison Rae completou sua transformação de fenômeno do TikTok em estrela pop com o lançamento de seu fantástico álbum de estreia, “Addison”, em junho. Os céticos rapidamente se converteram em crentes com o vibrante “Diet Pepsi”, de 2024, agora certificado como platina pela RIAA. A jovem de 24 anos dispensou o ruído com a vulnerável “Headphones On” e deu seu próprio toque à tensão que o estrelato pode representar em “Fame Is a Gun”. Sua personalidade efervescente e seu charme sulista são muito semelhantes aos da Britney Spears em seu início; de fato, embora represente a Geração Z, Addison ostenta muitas das qualidades que os Millennials mais amavam em suas estrelas pop dos anos 2000.

Avery Anna, “Let Go Letters”

Em seu segundo projeto, “Let Go Letters”, a cantora e compositora country Avery Anna usa sua caneta potente e sua voz melosa para contar as histórias de seus fãs, resultando em um projeto cru e ressonante. O projeto é inspirado em bilhetes enviados a Anna para sua série “Let Go Letters”, cujo objetivo é ajudar seus fãs a se livrarem de traumas do passado. Ela usou essas histórias para criar músicas detalhadas, reflexivas e, em última análise, encorajadoras, que refletem aqueles que lutam contra problemas de depressão, imagem corporal, vício, violência doméstica e muito mais.

Bad Bunny, “Debí Tirar Más Fotos”

Dias depois de 2025, enquanto o mundo ainda se recuperava do estupor natalino, o visionário artista porto-riquenho lançou a declaração mais ousada e inventiva de sua carreira. “Debí Tirar Más Fotos” infunde a consagrada música urbana e o pop latino de Bunny com salsa, bolero, plena e outros sons regionais das últimas décadas – e sua nova direção estética chamou a atenção. A incursão por gêneros não teria grande significado, no entanto, se as músicas não fossem estelares: faixas de maior energia como “Nuevayol” explodem com a grandeza estrondosa que os fãs esperam de Benito, mas são músicas como a efervescente “Baile Involidable”, gravada com uma orquestra de salsa ao vivo, e a balada comovente “Bokete”, onde seus avanços criativos realmente brilham.

Blondshell, “If You Asked for a Picture”

Em seu segundo álbum, a artista, nascida Sabrina Teitelbaum, consegue a façanha, muitas vezes de tirar o fôlego, de justapor letras autobiográficas e objetivas sobre questões de imagem corporal, relacionamentos disfuncionais e problemas duradouros entre mãe e filha, com ganchos de guitarra de rock dos anos 90 e algumas das harmonias mais belas desde o Fleetwood Mac dos anos 70. “If You Asked for a Picture” troca o romance por um realismo que deve ressoar com sua geração — e, na verdade, com qualquer pessoa com cicatrizes para mostrar (que também aprecie uma música pop-rock bem elaborada).

Brandon Lake, “King of Hearts”

O projeto recém-lançado “King of Hearts”, do hitmaker da CCM Lake, desafia gêneros mais do que nunca, abrangendo country, pop, hard rock, gospel e muito mais, sem deixar de ser fortemente centrado em sua mensagem inabalavelmente honesta de fé, cura e uma crença inabalável na redenção. Ele mantém sua inclinação por colaborações, unindo sua voz crua e emocional em duetos com o hitmaker country Jelly Roll (seu hit de sucesso “Hard Fought Hallelujah”), bem como com os artistas gospel e da CCM CeCe Winans, Hulvey e Hank Bentley.

Car Seat Headrest, “The Scholars”

Em um bioma do rock’n’roll que continua sem David Bowie, Syd Barrett e, agora, Brian Wilson, o Car Seat Headrest preencheu o vazio deixado por esses artistas empáticos que expandiram os limites da sonoridade, do tema e da duração das músicas. The Scholars é uma ópera-rock do passado que homenageia as inspirações do CSH — The Beach Boys, Pink Floyd, The Who e Ziggy Stardust entre eles — com reflexões existenciais e referências musicais astutas, e mostra a metamorfose das divagações do vocalista Will Toledo em uma banda de sucesso que soa como nenhuma outra.

Cazzu, “Latinaje”

Romance, remorso e folclore costurados a partir das raízes do norte da Argentina colidem em “Latinaje”, um álbum que parece entrar no mundo mais íntimo de Cazzu. Ele abre com uma “copla” (poesia) para sua terra natal antes de “Mala Suerte” entrar — um lamento carnavalesco que se transforma em uma batida elegante de hip-hop. A mágoa molda grande parte do álbum (aparentemente influenciada pelo término público da artista com seu pai de bebê, Nodal) com faixas como o tango assombroso “Ódiame” e “Con Otra”, um choro que transforma sua tristeza em paixão de cumbia villera. Há alcance aqui também, com “Engreído” de Elena Rose com infusão de bolero e “Ahora” de Maka com toques de flamenco adicionando profundidade. Mas Cazzu brilha mais sozinha, oferecendo momentos como “Inti”, uma canção de ninar envolta em um trap lo-fi para sua filha. “Latinaje” é uma celebração de sons latinos — antigos e novos — impulsionada pela mágoa e pelo orgulho cultural feroz.

Central Cee, “Can’t Rush Greatness”

“Não precisa de apresentações, mas as garotas ainda perguntam meu nome”, resmunga o astro do rap britânico Central Cee para começar seu LP de estreia, “Can’t Rush Greatness”. “Tipo, toda vez que eu pego o microfone, ele não cobre cem regiões/ Suécia, Noruega, Nova Zelândia…” Os Estados Unidos podem ou não estar nessa lista ainda — Greatness alcançou a impressionante, mas não tão esmagadora, 9ª posição na Billboard 200 — mas, independentemente disso, o álbum soa como um triunfo, com Cee se provando um dos poucos MCs habilidosos o suficiente para admitir sua paranoia sobre comer fora, e então se gabar de seu jogo de comer em casa na mesma música. Ele pega versos de (e se defende contra) cuspidores tão habilidosos e variados quanto Skepta, 21 Savage e Young Miko, mas Cee não precisa da ajuda deles, nem de ninguém: “F–k the award ceremony speech” (Foda-se o discurso da cerimônia de premiação), ele canta em “St. Patrick”. “Eu fiz isso sozinho, então a quem estou agradecendo?”.

Charley Crockett, “Lonesome Drifter”

O prolífico Crockett migrou para uma grande gravadora em seu álbum “Lonesome Drifter”, mas o álbum deixa claro que ele não perdeu seu carisma vocal nem sua inclinação por misturar elementos de country, soul, R&B e blues. Trabalhando com Shooter Jennings, ele faz um alerta severo contra os golpistas gananciosos da indústria musical em “Game I Can’t Win”, oferece uma narrativa vívida em “Easy Money” e faz um aceno às suas raízes texanas com um cover do clássico de George Strait, “Amarillo by Morning”, escrito por Terry Stafford e Paul Fraser.

Davido, “5ive”

Logo após o épico Timeless, de 2023, que definiu sua carreira, Davido já havia consolidado seu status como um dos atuais Três Grandes da música nigeriana (ao lado de Wizkid e Burna Boy) antes mesmo do lançamento de “5ive”. E provavelmente a melhor parte deste álbum — sim, seu quinto — é que ele continua a explorar seu próprio som, em vez de buscar colaborações que o tirem de sua zona de conforto ou o levem a reinos nos quais ele não existe naturalmente. Isso resulta em outra poderosa coleção de músicas que, no entanto, desafiam os limites à sua maneira, enquanto as colaborações com Victoria Monét (“Offa Me”), Victony e Musa Keys (“Holy Water”) e ODUMODUBLVCK e Chike (“Funds”) trazem algum dinamismo adicional ao repertório.

Ela Minus, “DIA”

Com 33 minutos, o segundo álbum do Ela Minus é curto, mas profundo, com o produtor colombiano apresentando 10 faixas de música eletrônica texturizada que lembram a rainha das baladas favorita de todas as garotas estranhas, Björk. Os temas também vão além do tradicional “levantem as mãos para o alto”, com a artista se tornando existencial — “Estou de joelhos/ Não encontrei fé/ Aqui estou eu de novo/ Dobrando tudo até quebrar”, lamenta ela na cintilante e espirituosa “Broken” — através de uma música club frequentemente contundente que, em conjunto, transmite clareza de intenção e autoconfiança.

Elton John e Brandi Carlile, “Who Believes in Angels?”

Um novo parceiro artístico, Carlile, e um novo produtor, Andrew Watt, ajudaram a despertar a criatividade de John, resultando em um dos melhores álbuns com os quais ele já trabalhou nos últimos anos. A equipe compôs e gravou o álbum em apenas 20 dias. A faixa de abertura, “The Rose of Laura Nyro”, incorpora uma das melhores canções daquele brilhante compositor, “Eli’s Coming”. O álbum inclui “Never Too Late”, a canção indicada ao Oscar do documentário do ano passado, “Elton John: Never Too Late”. A última, “When This Old World Is Done With Me”, soa como a despedida de Elton para seus fãs. Vamos todos torcer fervorosamente para que não seja.

Eric Church, “Evangeline vs. The Machine”

Com econômicos 36 minutos, este ciclo reflexivo de oito faixas examina como as pressões do mundo real podem minar constantemente a criatividade e o poder da música. É uma obra-prima para ser ouvida do início ao fim, incluindo a dinâmica faixa de abertura (e primeiro single) “Hands of Time” e “Johnny”, que expande o clássico “The Devil Went Down to Georgia”, da Charlie Daniels Band, e foi escrita por Church no dia seguinte ao tiroteio na Covenant School, em Nashville, em 2023. Gravado com uma orquestra completa, Evangeline é um trabalho ambicioso que expande em muito não apenas o repertório de Church, mas também o da música country contemporânea.

Erika de Casier, “Lifetime”

Em seu quarto álbum, a cantora e compositora dinamarquesa Erika de Casier surpreendeu ao lançar uma coleção exuberante e etérea de 11 joias do trip-hop, intitulada coletivamente “Lifetime”. Da tabla pulsante de “You Can’t Always Get What You Want” ao sample vibrante de “Insane in the Brain”, de Cypress Hill, no gancho de “Delusional”, de Casier aprimora sua exploração do passado em busca de um futuro ilimitado e sempre surpreendente. De uma honestidade desarmante em seu lirismo, “Lifetime” é a oferta sutil de de Casier para aqueles que se cansaram das oscilações excessivamente curadas dos top 40, com autenticidade entre aspas.

Eslabon Armado, “Vibras de Noche II”

Desde que entrou na cena regional mexicana em 2020, o Eslabon Armado se manteve firme, lançando álbuns seminais consecutivos — incluindo o mais recente, “Vibras de Noche II”. A sequência de 15 músicas (mais uma introdução e um encerramento) — que estreou em 4º lugar na parada de álbuns latinos da Billboard — mostra a banda mexicano-americana inaugurando uma nova era de corridos tristes, impulsionada pelas guitarras melancólicas características do Eslabon e letras mais profundas e maduras sobre como lidar com a tristeza e a solidão. Atendendo a um fandom da Geração Z que abraçou esse estilo de vida com uma pegada triste, você pode contar com o Eslabon para te levar aos seus sentimentos.

Fuerza Regida, “111xpantia”

A música regional mexicana alcança uma nova estratosfera com “111XPANTIA”, o triunfo da Fuerza Regida que rompe barreiras com os gêneros. Quebrando barreiras para a música mexicana, a trupe de San Bernardino alcançou a segunda posição na Billboard 200 em maio — perdendo naquela semana apenas para o astro global Bad Bunny — com o álbum de maior sucesso que o gênero já viu. O disco prospera em sua dualidade inabalável, combinando melodias folk de banjo em faixas como “Peliculiando” e “Nocturno” com híbridos de reggaeton e dembow como “Lokita” (com Anuel AA) e “Lababubu” (com Bellakath). Abre com a imponente “GodFather”, uma referência ao icônico filme dos anos 70, e fecha com a melancolia esfumaçada de “Malboro Rojo”. Nomeado em homenagem à palavra náhuatl para “manifesto”, o 111XPANTIA parece a declaração definitiva de chegada da Fuerza Regida.

Jane Remover, “Revengeseekerz”

Um artista mudando seu foco sonoro de álbum para álbum é uma história tão antiga quanto o tempo — menos comum é o artista que transforma seu som entre um álbum e seus singles subsequentes e, em seguida, encontra um terceiro caminho radicalmente diferente para seu próximo álbum completo. Essa é a jornada que Jane Remover completou ousadamente nos últimos dois anos, seguindo o escasso neo-shoegaze do Census Designated de 2023 com alguns singles pop ultra-cativantes, “Magic I Want U” e “Flash in the Pan”, no ano passado, e então se voltando para o electro-rap agressivo e o hiperpop com o impressionante “Revengeseekerz”; independentemente do seu ponto de entrada, sua ambição e comando de produção deixarão sua cabeça girando, além de se perguntar para onde eles podem ir em seguida.

Jasmine.4.T, “You Are the Morning”

Enquanto pessoas trans continuam a enfrentar ameaças, ataques e legislações que apagam suas identidades ao redor do mundo, a artista alternativa em ascensão Jasmine.4.T respondeu à crítica com compaixão. Em “You Are the Morning”, o impressionante álbum de estreia da cantora e compositora, Jasmine compartilhou detalhes íntimos de sua própria transição, desde sua luta para encontrar seu lugar em sua identidade de gênero (“New Shoes”) até a autoconfiança que surge quando você encontra esse lugar (“Woman”). “You Are the Morning” é nada menos que uma estreia notável para Jasmine.4.T, bem como um dos álbuns mais importantes de uma artista trans na última década.

Jason Isbell, “Foxes in the Snow”

“Foxes” abre com Isbell cantando a cappella em “Bury Me”, que dá o tom para o primeiro álbum solo do artista da Geórgia em uma década, deixando de lado momentaneamente sua banda, a 400 Unit. O álbum ágil e em grande parte acústico transmite uma sensação de intimidade com instantâneos vívidos que os fãs de Isbell esperam, mas ainda assim parecem ofegantes em sua natureza confessional — como em “Eileen”, sobre um término de relacionamento, onde Isbell admite: “meu próprio comportamento foi um choque para mim”, ou em “Gravelweed”, onde o cantor e compositor, agora divorciado, questiona o significado de suas antigas canções de amor. Mas ele ainda termina com uma nota cadenciada e encantadora em “Wind Behind the Rain”, escrita como uma canção de casamento para seu irmão e sua atual cunhada.

JENNIE, “Ruby”

Os fãs de Jennie aguardavam há muito tempo sua estreia solo oficial, e com RUBY, ela entrega um primeiro projeto marcante que irradia confiança, elegância e empoderamento. O álbum abre com “Like JENNIE”, uma faixa ousada e marcante que apresenta sua personalidade assumida por meio de letras diretas e autoconfiantes. Essa energia permeia todo o álbum, com cada faixa reforçando os temas centrais e refletindo “RUBY” como um símbolo da arte de Jennie: rara, autêntica e multifacetada. O projeto combina, sem esforço, o empoderamento por meio da feminilidade com sua recém-descoberta liberdade criativa, demonstrando seu total controle sobre a direção sonora e visual de seu trabalho.

Jessie Reyez, “Paid in Memories”

Em três álbuns completos, Reyez se consolidou como uma compositora emocionalmente crua e que mistura gêneros, que desafia categorizações e, em vez disso, se deleita com a bagunça de tudo — tudo sendo vida, relacionamentos, sexo, terapia, trauma, recuperação, família e os altos e baixos vertiginosos que vêm junto com tudo isso. Isso se metastatiza em “Paid in Memories”, que oscila entre o punk, o bounce, o pop, o soul, o R&B, o hip-hop, o reggaeton e todo o caminho de volta, com cada faixa exibindo sua voz vibrante e seu lirismo espirituoso, porém pessoal, a ponto de doer. É típico de um álbum do Yessie, neste ponto, ser tão diverso a ponto de não ter uma única faixa representativa para a qual se possa apontar e dizer: “Essa é a vibe” — e, neste ponto, isso é apenas mais uma parte do apelo.

JoJo, “NGL”

Curto e conciso, o EP de oito músicas de JoJo não reinventou a roda do R&B moderno, mas cumpriu uma tarefa sempre importante: lembrar aos ouvintes que sua voz e sua caneta continuam a se aprofundar em força e versatilidade, e que ela permanece discretamente como uma das melhores do gênero há décadas. Do groove vibrante da arrogante “Nobody” à vulnerabilidade de apenas piano e voz em “Porcelain Reimagined”, “NGL” é um retrato bem editado de uma artista cujo nome inspira gritos de “Queen!” por um bom motivo: esta diminuta diva com formidável habilidade na flauta ainda fala por si.

Kali Uchis, “Sincerely”

O quinto álbum de estúdio de Kali Uchis é o que carinhosamente chamamos de “música para limpar a casa”. Uma nova geração de crianças ouvirá as cordas do violino e da harpa descendo do céu enquanto dormem em uma manhã de sábado e saberá automaticamente que horas são: “Você sabe que seus pais não brincam com este álbum, então levante-se e comece a limpar.” Sinceramente, é uma viagem e deve ser ouvido do começo ao fim para podermos apreciar todo o seu alcance. O berço estará impecável quando “ILYSMIH” desaparecer na distância.

Lady Gaga, “Mayhem”

Com “Mayhem”, Lady Gaga alcançou o que tantos hitmakers veteranos se propuseram a fazer, mas raramente conseguem: criar um álbum totalmente novo que, de alguma forma, evoca o melhor de seus primeiros sucessos, ao mesmo tempo em que se sente totalmente original e moderno, encantando fãs casuais e fanáticos. Em nenhum lugar essa ligação entre o antigo e o novo é mais clara do que em “Perfect Celebrity”, uma sequência impecável de “Paparazzi”, de 2009, que Gaga pré-fama criou antes de entender exatamente o que estava por vir nos anos seguintes. Mas “Perfect Celebrity” foi escrita com os olhos bem abertos (“Você ama me odiar”, “Sou feita de plástico como uma boneca humana”) – Lady Gaga viveu cada momento desta vida e, mesmo compreendendo perfeitamente todas as armadilhas e lados obscuros da fama, ela está aqui para ser a nossa “Celebridade Perfeita”. Apropriadamente para um álbum com um hit característico chamado “Abracadabra”, Gaga realizou um truque de mágica com este projeto.

Lucy Dacus, “Forever Is a Feeling”

Embarcar em um novo romance pode ser igualmente emocionante e assustador, talvez ainda mais quando é com um querido amigo e colega de banda — e você está colocando tudo isso em seu álbum solo. É o caso do quarto álbum de estúdio de Lucy Dacus, “Forever Is a Feeling”, uma revelação onírica de seu relacionamento romântico com Julien Baker, também membro do Boygenius. Seja compartilhando as inclinações físicas de seu parceiro ou sua própria paixão de longa data, Dacus não compartilha demais, guardando alguns detalhes para si mesma. O álbum é musicalmente mais suave do que muitos de seus trabalhos anteriores, embora quando ela finalmente deixa a guitarra rasgar em “Lost Time”, a conclusão de “Forever”, seja uma recompensa catártica.

Maren Morris, “Dreamsicle”

Muito se tem falado sobre a decisão de Maren Morris de deixar a indústria da música country para trás e como tal saída poderia afetar seu futuro na música em geral. Considere “Dreamsicle” uma refutação contundente a essa especulação, enquanto Morris explora ao máximo seu poder singular como cantora e compositora versátil. A cantora transforma a turbulência de sua vida pessoal em uma obra-prima pop diarística, enquanto desmaia na privacidade de seu carro (“Cry in the Car”), manda um encontro casual para fora de casa (“Bed No Breakfast”) e encontra sua própria autoestima pós-divórcio (“Too Good”). “Dreamsicle”, assim como seu sucesso titular, oferece algo doce e refrescante justamente quando você mais precisa.

Miley Cyrus, “Something Beautiful”

Miley Cyrus conquistou muito em sua carreira de quase duas décadas na música pop, mas a única coisa que os fãs ainda queriam dela era um álbum que fosse inegavelmente mais do que a soma de suas partes, uma audição coerente do começo ao fim que exigisse ser absorvida por completo. Considere o último item do currículo marcado com “Something Beautiful”, um set fascinante que flui lindamente da balada psicodélica de rock da faixa-título para o soul-pop dos anos 70 de “Easy Lover”, passando pelo auge da discoteca com “Walk of Fame” e “Reborn”, ficando cada vez mais rico à medida que avança. Não produziu um single nem perto do tamanho de “Flowers”, que conquistou a cultura de 2023, mas não precisa ser — é muito mais importante para o legado de Cyrus que ela tenha um álbum que nenhuma música sobreviva.

Morgan Wallen, “I’m the Problem”

Ao longo de 37 faixas caracteristicamente robustas, “I’m the Problem” continua a oferecer uma janela panorâmica para as reflexões noturnas de Wallen sobre relacionamentos, a vida em cidade pequena e, sim, uísque. E as coisas parecem especialmente diarísticas desta vez, com Wallen coescrevendo 22 das músicas, incluindo o dueto com Tate McRae, líder da Hot 100, “What I Want”, que marca sua primeira colaboração com uma mulher e fornece uma perspectiva feminina muito necessária para suas visões tipicamente egocêntricas sobre o amor. Ah, e se você está procurando o verdadeiro ápice da composição sobre relacionamentos situacionais, a melancólica “Just in Case” de alguma forma faz com que encontros casuais pareçam românticos — porque ele está apenas mantendo sua cama quentinha enquanto espera seu verdadeiro amor retornar. Mas o interesse amoroso final do projeto lotado tem que ser o Tennessee, destacado em todo o álbum – em nenhum lugar melhor do que no astuto “TN”, que faz excelente uso de uma série de abreviações para soletrar o quão eternamente entrelaçado Wallen está com seu amado estado natal: “Quando eu der meu último suspiro, essa é a sujeira em que eles vão me enterrar/ TN.” Quando ele der seu último suspiro, também temos a sensação de que Wallen ainda estará cantando sobre mulheres, uísque e o Estado Voluntário.

Natalia Lafourcade, “Cancionera”

A cantora e compositora mexicana sempre encontra o equilíbrio perfeito entre se reinventar sem comprometer sua essência folk, soar cosmopolita e, ao mesmo tempo, honrar suas raízes latino-americanas. “Cancionera” não é exceção: uma oferta ousada de son jarocho, música tropical e ranchera que também integra sons da natureza (cortesia do Soundwalk Collective) para uma experiência auditiva elevada. O conjunto de 14 faixas é uma paisagem musical rica e cheia de nuances que prepara Lafourcade para mais uma possível conquista no Grammy Latino deste ano.

Oklou, “Choke Enough”

Embora “Choke Enough”, o álbum de estreia da cantora e produtora francesa Marylou Maniel, sob o pseudônimo Oklou, remeta ao minimalismo pop gélido de Grimes, à tranquilidade hipnótica da New Age de Enya e à batida experimental dance-R&B de FKA Twigs em diferentes momentos, a síntese de suas influências é tão completa que nada mais soa como ela. Parte dessa distinção vem da voz frágil, porém calorosa, de Oklou, que é empregada em diferentes distâncias — na faixa-título, por exemplo, ela soa como um eco de uma música totalmente diferente, antes de ser empurrada para a frente da mixagem para um refrão de tirar o fôlego.

Ovrkast., “While the Iron Is Hot”

Após cinco anos de inatividade, Ovrkast lançou sua primeira mixtape completa desde “Try Again”, de 2020, com “While the Iron Is Hot”, de May. O rimador de East Oakland deslumbra com samples comoventes com precisão elástica no set, brilhando ao lado dos heróis líricos Saba (“Dog Days”) e Vince Staples (“Strange Ways”). Mesmo quando está jogando iso-ball, ele brilha no placar com as faixas de destaque “Spike Lee” e “NEW ERA”, provando por que tem potencial de bilheteria semelhante ao de outro messias da Costa Oeste chamado Kendrick Lamar.

Panda Bear, “Sinister Gift”

Como parte do Animal Collective, Noah Lennox passou anos desafiando os ouvintes com sons pop experimentais — mas em seu próprio trabalho como Panda Bear, a música de Lennox é mais como uma aquarela, com ideias que se misturam suavemente para criar uma imagem completa e suave. Lennox demonstrou uma propensão a fazer mais com menos em seus lançamentos solo, nunca sobrecarregando suas músicas e deixando suas melodias brilharem, e “Sinister Grift” deste ano parece o ápice dessa abordagem. Esta não é a praia de Jimmy Buffett, mas a música é praiana, no sentido alegre, relaxado e brilhante da palavra. A vibração descontraída e a voz eternamente jovem de Lennox escondem tons líricos de tristeza, arrependimento e um coração pesado que “se curva antes de se quebrar”. Mesmo assim, Lennox continua em frente e encerra o álbum com duelos em “Defense”, enquanto ele e a convidada Cindy Lee lutam contra tempos difíceis, com a guitarra elétrica se tornando sua Excalibur.

Perfume Genius, “Glory”

Embora “Glory” seja o sétimo álbum do Perfume Genius em 15 anos, é também seu primeiro álbum de estúdio de verdade em cinco, um deles extraído da depressão da era pandêmica. A avaliação inicial de que “Glory” é mais suave e menos abrasivo do que o álbum anterior de Mike Hadreas desmente a melancolia, a nostalgia, a incerteza e outras emoções obscuras que compõem a essência de “Glory”. “Clean Heart” é uma canção indie pop cintilante e frágil sobre o que você perde e descobre com o passar do tempo; “No Front Teeth” alterna entre o refrão suave e meditativo de Aldous Harding e um toque de rock alternativo sombrio dos anos 1990; enquanto “Full On” traz um sabor musical quase medieval a algumas de suas letras mais marcantes: “Eu vi cada quarterback chorando/ Deitado na grama/ E balançando a cabeça como uma violeta.”

PinkPantheress, “Fancy That”

PinkPantheress aprimora sua sonoridade Y2K com samples de pop e dance britânicos cuidadosamente selecionados e batidas sincopadas para sua segunda mixtape, “Fancy That”. Desde o momento em que seus vocais leves como uma pena cumprimentam os ouvintes com “Meu nome é Pink e estou muito feliz em conhecê-lo” na animada faixa de abertura do garage, “Illegal”, até a linha de baixo pulsante e as doces provocações do single de sucesso “Tonight”, com samples do Panic! At the Disco, a cantora, compositora e produtora inglesa nos convida para a pista de dança com um abandono imprudente e a fantasia sedutora de um romance em desenvolvimento.

Playboi Carti, “Music”

“MUSIC”, do Playboy Carti, presta homenagem às suas raízes em Atlanta, conquistando o primeiro lugar consecutivo na Billboard 200. Apresentado pela lenda local Swamp Izzo, cujos improvisos ecoam por toda parte, o álbum celebra a ascensão de Carti ao topo do gênero. Fundindo influências corajosas como Lil Wayne e Future com os colaboradores de longa data Skepta e Lil Uzi Vert — além de grandes participações de estrelas do pop contemporâneo Kendrick Lamar e The Weeknd — “MUSIC” homenageia o legado de Atlanta enquanto impulsiona a cultura, no verdadeiro estilo de Carti.

Rome Streetz e Conductor Williams, “Trainspotting”

Seria difícil encontrar um rapper e um produtor com mais química do que esses dois pilares da Griselda. Com “Trainspotting”, eles se separaram para dar ao jogo uma lição sobre como fazer um álbum de rap de rua da costa leste da era moderna, com rimas de primeira e batidas de primeira que só os mais aficionados podem apreciar. Também pode haver uma conversa sobre se Rome é ou não o atual Rei de Nova York, mas teremos que deixar isso para outro dia. Por enquanto, grave algo meticuloso e aproveite.

Rose Gray, “Louder, Please”

A estreia da cantora e compositora britânica — na qual ela coescreveu todas as 12 faixas, com colaboradores como Uffie, Justin Tranter e Ryland Blackinton, ex-integrante do Cobra Starship — evoca traços de outras princesas adoradas do dance-pop: a energia rave underground de Charli XCX, os refrões eufóricos de Carly Rae Jepsen, o ronronar disco-coquete de Kylie Minogue. Mas com sua voz potente, humor descontraído (“todas as coisas boas da vida são sempre de graça”, ela canta no single explosivo “Free”) e abordagem segura, fica claro que Gray tem um poder de estrela só seu.

SAILORR, “From Florida’s Finest”

SAILORR conquistou os corações e playlists dos puristas do R&B no início deste ano com seu set de 14 faixas “FROM FLORIDA’S FINEST”. Apresentando hinos confessionais como “DOWN BAD” e “CUT UP”, a franqueza de SAILORR pode soar como SZA para novos ouvidos não familiarizados com seus talentos. Misturada com coragem, vulnerabilidade e frases de efeito que são cativantes, mas enlouquecedoras para o sexo oposto, a cantora vietnamita lança tiros na cabeça de trapaceiros e haters. “BITCHES BREW” demonstra melhor sua sensibilidade pop, enquanto ela ataca com suas letras aqueles que querem derrubá-la.

Sam Fender, “People Watching”

O Reino Unido viu poucos novos roqueiros masculinos conquistarem o público americano nos últimos anos, mas Sam Fender está pronto para despontar por aqui. Com suas 11 faixas repletas de refrãos, guitarras e letras ricas, “People Watching” alcançou a respeitável 16ª posição na parada de álbuns mais vendidos da Billboard — mas no Reino Unido, alcançou a maior semana de estreia para um artista solo britânico desde “Harry’s House”, de Harry Styles, em 2022. A música-título do álbum demonstra a sensibilidade antológica de Fender, perfeitamente elaborada para ser cantada em arenas.

Sault, “10”

A prolífica banda de funk inglesa Sault retornou com um novo álbum menos de quatro meses após Acts of Faith, e este é um de seus lançamentos mais envolventes até hoje — repleto de linhas de baixo irregulares, riffs de guitarra felinos, linhas de instrumentos de sopro em degraus e vocais delicadamente comoventes da vocalista Cleo Sol. “K.T.Y.W.S.” evoca a ótima balada soul de Deniece Williams, “Free”, com mais impacto, enquanto “I.L.T.S.” serve como uma vitrine para Sol, cujas passagens complexas e complexas interrompem a batida da faixa. “Seja você mesmo”, canta Sol. “Não se desculpe.”

Skrillex, “F*CK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!! <3”

Reza a lenda que, no início da década de 2010, um laptop foi roubado de Skrillex, com o equipamento contendo um estoque de músicas destinadas ao lançamento de um álbum e posteriormente perdido. Seja isso totalmente verdade ou não, o fato é que a faixa final do LP de abril de Skrillex, a poderosa e comovente “Voltage”, circula pela internet desde os anos de sucesso do produtor — com a intensidade metalizante que definiu a produção inicial de Skrillex, que evoluiu o gênero, e vocais que evocam seu trabalho ainda anterior como vocalista da banda emo From First to Last. A faixa é, portanto, uma aproximação adequada de “F*CK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL MAS UR NOT!! <3”, uma mega-mixagem impactante de 34 minutos de batidas improvisadas e colaboradores que faz uma referência à era dubstep anterior de Skrillex e também a encerra efetivamente, uma despedida gloriosa como o último álbum do produtor estrela de sua longa gestão na Atlantic Records.

Tate McRae, “So Close to What”

Mesmo depois de “Think Later” e de um hit solo no top 5 (“Greedy”), Tate McRae ainda se encontrava fora do radar quando se tratava da lista A do pop. Bem, a dançarina canadense levou seu carro esportivo à pole position com “So Close to What”, juntando-se à próxima turma de estrelas que moldam a música pop. As composições de McRae amadureceram, e ela aproveitou ao máximo a produção sofisticada para desenvolver uma identidade artística mais clara com os sintetizadores biônicos de “Sports Car” e “Revolving Door” — ambas alcançando o top 25 da Billboard Hot 100. A jovem de 21 anos está dando o salto para se apresentar em arenas por todos os Estados Unidos ainda este ano, e agora ela tem um catálogo à altura.

Teddy Swims, “I’ve Tried Everything But Therapy (Part 2)”

Este grande cantor de soul de olhos azuis começou o ano com uma indicação ao Grammy de melhor artista revelação e o lançamento de seu segundo álbum. O impactante “Bad Dreams”, o primeiro single do “Part 2”, é um dos maiores sucessos de 2025. Alcançou a 30ª posição na Hot 100 simplesmente porque “Lose Control”, o megahit do primeiro álbum de Swims, se recusou a recuar. O restante do álbum conta com Givēon (no segundo single, “Are You Even Real”), Muni Long, Coco Jones e GloRilla, um elenco de apoio impressionante que consolida ainda mais o status atual de protagonista de Swims.

The Weeknd, “Hurry Up Tomorrow”

Abel Tesfaye se despede de The Weeknd e encerra sua trilogia final com o terceiro e último volume, “Hurry Up Tomorrow”. O astro canadense etíope reflete sobre a natureza aflitiva da fama em “Drive”, desejando morrer em seu auge em “Enjoy the Show”, com participação de Future, e deixando tudo para trás na existencial e épica “Without a Warning”, com sua produção synth-pop/R&B característica. Com o final da pungente faixa-título que encerra o álbum se transformando no início de “High For This” – a faixa de abertura de sua mixtape de estreia de 2011, House of Balloons – Tesfaye completa o ciclo de seu lendário catálogo.

Turnstile, “Never Enough”

Se a composição de rock antológico do álbum “Glow On”, de 2022, do Turnstile era inegável demais para ser contida pela base de fãs hardcore-punk da veterana banda de Baltimore, então o ethos experimental do aguardado sucessor, “Never Enough”, sempre esteve destinado a inspirar frustração nos puristas do gênero. No entanto, a banda que misturou rap-rock, samba e cowbell breaks em “Glow On” simplesmente ganhou mais espaço para refutar as convenções em seu sucessor: “Never Enough” se enfurece quando necessário em músicas como “Birds”, “Sole” e a faixa-título, mas o synth-pop de “I Care” e o groove dançante e prolongado de “Look Out for Me” são igualmente envolventes e oferecem novos tons de uma banda que está se destacando no cenário.

Valiant, “Prove Them Wrong”

Quando Valiant lança seu sucesso de dois anos, “Mad Out”, ao final de Prove Them Wrong, seu segundo projeto completo, o astro em ascensão, nascido em St. Andrew, Jamaica, já explora o hip-hop, o trap-dancehall e o R&B com influências de guitarra espanhola, sem nunca sacrificar sua língua patoísta ou seus habilidosos trocadilhos. Seja lidando com problemas de relacionamento em “Selfish” ou entregando um hino indisciplinado em “Rapid Up”, com participação de Tommy Lee Sparta, Valiant passa “Prove Them Wrong” exibindo sua amplitude e versatilidade, dando credibilidade ao título do projeto.

Vários artistas, “Sinners (Original Motion Picture Soundtrack)”

Embora estejamos apenas na metade do ano, “Sinners”, de Ryan Coogler, campeão de bilheteria, já é o filme definitivo de 2025 — e sua trilha sonora de blues continua sendo um de seus maiores atrativos. Com curadoria do vencedor do Oscar Ludwig Göransson, Coogler e Serena Göransson, a trilha sonora de “Sinners” reforça tanto o enredo do filme quanto a narrativa geral da história e influência da música negra por meio de uma exploração do blues do Delta, do rock n roll antigo e da música irlandesa. Ancorada por arranjos orquestrais emocionantes, composições de blues fiéis à história e pelas performances arrebatadoras de Miles Caton no hino dos créditos finais “Last Time (I Seen the Sun)” e em “I Lied to You”, escrita por Raphael Saadiq, a trilha sonora de “Sinners” exerceu uma influência sobrenatural sobre os ouvintes que perdurou além da exibição do filme nos cinemas.

Whatever the Weather, “Whatever the Weather II”

Sob o pseudônimo Whatever the Weather, a produtora inglesa de IDM Loraine James canaliza alguns de seus impulsos mais atmosféricos, com a ideia de que cada faixa leva o nome de uma temperatura e, até certo ponto, reflete essa temperatura. “Whatever the Weather II” é imersivo e hipnótico, como a melhor música ambiente – mas nunca é monótono, desde as faixas de bateria vibrantes que sustentam muitas de suas composições etéreas até os samples de tagarelice ininteligível e outros efeitos sonoros que entram e saem da mixagem. Essa imprevisibilidade – assim como os fenômenos meteorológicos que deram nome ao projeto de James – é o que torna o álbum infinitamente gratificante, desde sua abertura ruminante até seu final curvilíneo e infundido com folktronica.

Willie Nelson, “Oh What a Beautiful World”

Um grande compositor presta homenagem a outro, com Nelson reinterpretando com maestria obras de Rodney Crowell neste conjunto — lançado em abril, pouco antes do aniversário de 92 anos de Nelson. As faixas incluem o clássico de Crowell, “Shame on the Moon”, que já foi um sucesso de Bob Seger. Acima da batida arrastada de uma banda de estúdio de primeira linha, com toques doces da dedilhação de Nelson em sua guitarra vintage Trigger, ele e Crowell fazem um dueto na faixa-título, uma reflexão suave sobre a passagem do tempo. “É o primeiro e o último dos seus dias voando”, eles cantam, “oh, que mundo lindo.”

[Esta lista foi traduzida da Billboard dos EUA. Leia a reportagem original aqui.]