‘LEMONADE’ do aespa: veja a análise faixa a faixa do álbum

Artistas conceituais já não são raros no K-pop. Histórias elaboradas, versões alternativas de si mesmos e mitologias multiversais tornaram-se quase um requisito do gênero. O que ainda é raro é um grupo cuja identidade se registre não apenas como um som ou uma aparência, mas como um sabor: o toque metálico que os ouvintes passaram a chamar de “soe-mat (쇠맛)” do aespa, literalmente o gosto de metal. Mais raro ainda é o artista que consegue manter uma assinatura tão específica, desde um fandom local até o mainstream global, sem perder sua essência.

O aespa passou sete anos construindo exatamente isso. Em seu segundo álbum de estúdio, “LEMONADE”, o quarteto torna a metáfora literal.

O novo capítulo vai além de KWANGYA e dos eus virtuais conhecidos como ae. Ao longo dessas 10 faixas, KARINA, GISELLE, WINTER e NINGNING não soam mais como contrapartes humanas navegando por uma mitologia digital — elas soam como artistas que absorveram essa mitologia por completo.

Cada integrante carrega a visão de mundo, o avatar e o conflito dentro de sua própria voz. Questionada na coletiva de imprensa do álbum, em 28 de maio, sobre o que a autodeterminação significa para o grupo agora, WINTER a definiu como uma questão de existência em si: amar o que ama sem se importar com a opinião alheia, disse ela, é “a razão e a definição de existir como eu mesma”.

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Essa reformulação aguça a história que o aespa vem contando desde 2020. O antagonista do capítulo de 2026 do grupo não é “Black Mamba”, nem a vastidão árida de “KWANGYA”. Desta vez, o desafio parece interno: como conviver com múltiplos mundos, múltiplos eus e ainda assim chamar o resultado de seu. “LEMONADE” responde da maneira que o aespa sempre respondeu, recusando-se a provar qualquer coisa nos termos de qualquer outra pessoa.

Musicalmente, o álbum reúne as peças mais fortes de seu catálogo e as liquefaz em algo novo: a autoconfiança inabalável de “Girls”, a carga kitsch de “Spicy” e “Supernova”, e a tensão contida de “Whiplash”, que se tornou a primeira entrada do aespa no Top 10 da Billboard Global 200, alcançando o 8º lugar em 2024.

Em “LEMONADE”, riffs de sintetizador com inspiração techno aguçam as arestas, a autoconfiança desafiadora mantém o centro e uma pitada de absurdo pop impede que o disco desmorone sob sua própria mitologia. O resultado é azedo, metálico e estranhamente viciante.

A paleta sonora é deliberadamente dispersa, porque a dispersão é o objetivo. O álbum transita do hip-hop industrial da faixa pré-lançamento “WDA (Whole Different Animal)”, com participação de G-DRAGON, passando pela atmosfera hyperpop de “Camouflage” e o R&B suave de “My Plan”, até o pop-rock vibrante de “‘Til We Die”, com Ty Dolla $ign em “Switchblade” e Becky G em uma versão da faixa-título. Construído sobre uma das mitologias mais bem estruturadas do K-pop, “LEMONADE” se consolida como o álbum mais coeso do aespa justamente por se recusar a permanecer em um único formato.

Abaixo, a Billboard Korea classifica todas as músicas do álbum “LEMONADE”.

Análise faixa a faixa: ‘LEMONADE’, aespa

10. “Roll”
A faixa mais leve aqui, e propositalmente, “Roll” desliza sobre uma batida minimalista e vibrante, arranjada por Cook Classics, passando seu tempo lançando indiretas adocicadas a um ex com mais diversão do que veneno. Ela exige pouco do ouvinte e o recompensa mesmo assim, o tipo de encanto descomplicado que todo álbum maximalista precisa para respirar. Em um disco tão denso, sua recusa em se esforçar demais soa como uma pequena demonstração de força.

9. “‘Til We Die”
o aespa encerra o álbum voltando-se para as pessoas que trouxeram o quarteto até aqui. Construída sobre uma guitarra precisa e uma ascensão vocal grandiosa, “‘Til We Die” é um hino de lealdade direcionado aos fãs que permaneceram ao lado do grupo, e os membros transmitem o sentimento sem exageros. O arranjo de SACCO mantém a essência do rock limpa, em vez de pesada, dando à música leveza sem arrastá-la para o melodrama. Ela atinge o coração pelo caminho mais direto do álbum, mas a emoção é conquistada.

8. “Bite”
Uma dose pura de adrenalina, “Bite” avança com uma base instrumental forte e percussiva e um refrão feito para ser cantado em coro, transmitindo uma mensagem concisa com máxima eficiência: Cruze a linha, pague por isso. O arranjo de Stian Nyhammer Olsen mantém a música enxuta e direta, focada no impacto e sem excessos. É o aespa em modo ataque puro, e cumpre essa função com muita energia.

7. “My Plan”
É aqui que o álbum mostra sua versatilidade. Uma faixa R&B de ritmo moderado, com arranjos de Simon Petrén, “My Plan” envolve uma superfície suave e tranquila em torno de uma letra que se revela silenciosamente calculista: um relato passo a passo de como convencer uma pessoa amada a ter exatamente o final que ela deseja. O contraste é o prazer. Seda por cima, estratégia por baixo. É também uma vitrine de quanta riqueza vocal as quatro vozes conseguem alcançar em volumes baixos, tornando-a uma das faixas mais cativantes do álbum.

6. “Can’t Help Myself”
Esta é a incursão mais convincente do álbum no rock. Markus Videsäter, Grace Baer e David Straaf constroem “Can’t Help Myself” com guitarras distorcidas e uma batida grave e pulsante, e o aespa responde com vocais que vão além do polimento, revelando uma certa aspereza. A letra, uma recusa em representar a versão de si mesmo de outra pessoa, ganha ainda mais força com o apoio da banda. Mais do que um exercício de gênero, prova que o registro rock do aespa é algo que o grupo pode habitar, e não apenas vestir.

5. “SHAKIN’”
Polido, mas abrasivo, concebido diretamente para o refrão, “SHAKIN’” combina um baixo sintetizado áspero com um dos ganchos mais grudentos do álbum, tudo a serviço de uma única ideia: desestabilizar completamente a vida de alguém. O arranjo de Moonshine é impecável, e o tom maduro do grupo impede que a arrogância se dissipe. Este é o aespa em sua forma mais comercial e descomplicada, uma música que poderia ser o destaque de um álbum inferior e que se encaixa perfeitamente no meio deste.

4. “Camouflage”
Esta é a faixa menos conhecida que vai prender a atenção dos fãs mais dedicados, e com razão. Uma névoa hyperpop de sintetizadores vítreos e flutuantes do ACT SOCIAL, “Camouflage” transforma seu título em uma metáfora funcional: esconder o que você sente, transitar entre diferentes personalidades para se manter seguro, fazendo com que o disfarce pareça tanto uma armadura quanto uma armadilha. Ela se encaixa diretamente no conceito de Complæxity do álbum, sem se reduzir a uma mera exposição. Ouça duas vezes e a beleza começa a parecer um mecanismo de defesa, que é exatamente o que a faz permanecer na memória.

3. “WDA (Whole Different Animal)” com G-DRAGON
Este é o título de pré-lançamento e o canto mais sombrio do álbum. Dem Jointz e RYAN JHUN constroem “WDA” sobre o peso do hip-hop industrial, com um baixo sintetizado grave e penetrante e um refrão que impacta como uma porta se fechando. Os integrantes descem para um registro mais grave e pesado para acompanhar, trocando o brilho pela pressão. G-DRAGON não apenas aparece na faixa — ele intensifica a atmosfera ao seu redor, transitando entre arrogância e ameaça sem perturbar o centro de gravidade do grupo. É uma das mudanças mais ousadas do catálogo do aespa e o sinal mais claro de que “LEMONADE” pretende ser perigoso antes de ser divertido.

2. “Switchblade” com Ty Dolla $ign
Esta é a peça de construção mais sofisticada do álbum. Arranjada por Evan Blair, “Switchblade” funciona com tensão e relaxamento, contrapondo a entrega fria e contida do aespa a uma produção que se transforma constantemente sob os pés do quarteto. A lâmina se torna um objeto perfeito para o aespa: elegante, perigosa, flexível, bela porque pode cortar. Ty Dolla $ign é tecido na faixa em vez de simplesmente adicionado, atuando como um contraponto genuíno cuja textura completa a arquitetura da música. Isso prova que o aespa pode fazer com que a contenção pareça tão impactante quanto o espetáculo.

1. “LEMONADE”
É claro que a faixa-título é a tese do álbum transformada em algo alegremente literal. O arranjo de Shift K3Y empilha riffs de sintetizador com influências ácidas e drops de hardstyle sob provocações cantadas que explodem em improvisos, transformando um dos idiomas mais familiares do pop — fazer limonada — em algo mais incisivo, estranho e mais aespa. Aqui, doçura não é suavidade. É uma arma, uma euforia, um colapso disfarçado de festa. O movimento de espremer limão no refrão será inescapável até o verão, mas a música funciona porque o conceito não se sobrepõe à música — ele borbulha em cada batida. É a rara faixa-título que também é, simplesmente, a melhor música do álbum: conceito, som e atitude fundidos em um todo azedo e elétrico. Limonada, de fato.

[Este conteúdo foi traduzido e adaptado da Billboard. Leia o texto original, em inglês, aqui].