‘ARIRANG’: como Bang Si-Hyuk planejou o retorno histórico do BTS

“ARIRANG” do BTS, o álbum de retorno do grupo sul-coreano após um hiato de quase quatro anos, terminou em 1º lugar na parada de álbuns Billboard 200 (de 11 de abril) pela segunda semana consecutiva, marcando o sétimo número 1 do grupo na parada e sua permanência mais longa até hoje. Não foi o único recorde quebrado.

A faixa principal do disco, “Swim”, também estreou em 1º lugar na Billboard Hot 100, tornando o BTS o primeiro grupo a estrear um álbum e uma música no topo da Billboard 200 e da Hot 100 simultaneamente várias vezes (o grupo alcançou o feito em 2020 com Be e “Life Goes On”).

Na verdade, todas as 13 faixas de “ARIRANG” entraram na Hot 100 (exceto “No. 29”, o interlúdio com sinos). Na parada Billboard Global (com exclusão dos Estados Unidos), o BTS se tornou o primeiro artista a ocupar todo o top 10 (e o top 13).

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Por trás do retorno do BTS está Bang Si-Hyuk (também conhecido como Chairman Bang), presidente e fundador da HYBE, e a pessoa que originalmente idealizou a estreia do BTS há 13 anos, reunindo o grupo, compondo e produzindo suas músicas e supervisionando tudo, desde o marketing até o conteúdo das redes sociais.

Essa estreita ligação com os membros do grupo perdura sete álbuns depois. Durante o período em que cumpriram o serviço militar obrigatório na Coreia, Bang manteve contato, encontrando-se frequentemente com cada um dos membros e mantendo vivas as conversas sobre como seria o álbum de retorno do grupo mais lendário da Coreia.

“Para mim, pessoalmente, foi um projeto no qual investi mais de um ano e meio da minha vida e energia”, diz Bang, observando que começou a trabalhar em “ARIRANG” a pedido dos membros do BTS por volta da metade do serviço militar deles. A pressão de trabalhar com um grupo tão icônico, acrescenta ele, foi “imensa”.

“Com a confiança que os membros depositaram em mim, assumi o papel de produtor – mas, na verdade, esse tipo de trabalho traz um nível de pressão tão grande para o produtor quanto para os artistas. A música, em sua essência, deve ser fundamentada na autenticidade e na arte, e acredito que os resultados não são o objetivo, mas sim algo que acontece naturalmente. Ao mesmo tempo, como alguém que trabalha na indústria da música pop, é praticamente impossível se manter completamente distante das métricas de desempenho, que, em última análise, refletem a reação do público.”

Duas semanas após o lançamento de “ARIRANG”, fica claro que o álbum – com sua mistura de pop, hip-hop e elementos coreanos marcantes – conquistou o público, ao mesmo tempo que fortalece os laços do grupo com seu país.

Em sua primeira entrevista à imprensa após o lançamento de “ARIRANG”, Bang fala sobre seu papel como produtor principal do álbum, a longa jornada por trás do retorno do BTS, o processo de criação de novas músicas e coreografias e o significado profundo e intencional por trás da música do álbum.

Billboard: Um retorno após quase quatro anos é um grande passo. Você pode nos dar algumas informações sobre o planejamento?
Bang Si-Hyuk: Enquanto os membros cumpriam seus deveres militares, continuamos avançando com o trabalho que podia ser feito no âmbito da empresa. Como eles não podiam participar ativamente da produção do álbum durante esse período, nos concentramos no que podíamos preparar com antecedência — incluindo a busca por músicas e a definição da direção criativa e da marca em geral. Em um nível pessoal, fiz questão de me encontrar com cada membro individualmente sempre que eles estavam de folga. Tivemos muitas conversas sobre como eles estavam se sentindo na época e como seus pensamentos estavam evoluindo.

Antes mesmo de começarmos a buscar músicas para o álbum, o processo de criação de sua estrutura geral e definição de sua visão musical realmente tomou forma durante os workshops de pré-composição que realizamos nos EUA. No início de 2025, antes da dispensa dos membros, Diplo foi escolhido como o produtor principal que supervisionaria o processo no local. Em abril e maio, realizamos dois workshops de pré-composição em Los Angeles, onde desenvolvemos cerca de 100 faixas protótipo.

Em julho, após todos os membros concluírem o serviço militar, montamos uma sala de monitoramento privada em uma pensão na província de Gyeonggi e realizamos um workshop de um dia inteiro. Enquanto ouvíamos as diversas faixas protótipo criadas durante os ensaios pré-música, tivemos discussões aprofundadas sobre o que o BTS pode fazer agora, o que o BTS deveria fazer agora e, em última análise, o que somente o BTS pode fazer.

Então, qual era a identidade do álbum?
A conclusão a que chegamos foi muito clara. BTS 2.0 não deveria ser uma extensão do passado – tinha que ser uma declaração que abrisse um novo capítulo. Para usar minhas próprias palavras da época, a essência musical deste álbum era uma jornada em busca da resposta para uma pergunta: “Se o BTS que lançou seu álbum de estreia, ‘2 Cool 4 Skool’, tivesse crescido com a mesma identidade – sem as variações de gênero ou expansões externas dos últimos 13 anos – que tipo de música eles teriam criado para liderar a era atual?”.

Assim que essa visão ficou clara, começamos imediatamente o acampamento musical em grande escala em Los Angeles com os membros. A decisão de ir para os EUA logo em julho foi intencional – eu queria criar um ambiente onde os membros pudessem se concentrar inteiramente na música. Na verdade, cada membro tinha planos pessoais para tirar um tempo para si após o término do serviço militar. Mas quando perguntei a eles – sinceramente – todos concordaram sem hesitar, cancelaram suas agendas e voaram juntos para os EUA. Qualquer pessoa que já tenha servido às Forças Armadas ou conheça alguém que tenha, entenderá que essa não é uma decisão fácil – nem mesmo para um grupo como o BTS, a maior banda do mundo. Eles são humanos e precisavam descansar. E, no entanto, o fato de terem escolhido demonstrar esse nível de comprometimento diz muito sobre o quanto amam a música – e por que são quem são como BTS.

Durante as duas primeiras semanas, propositalmente não estabelecemos regras rígidas. Há sempre uma lacuna entre o que você imagina ao ouvir algo e o que realmente toma forma quando é expresso através do chamado “toque mágico”. Esse processo de refinar a direção foi essencial. Somente após essas duas semanas começamos a analisar o material – identificando o que funcionava e definindo direções mais concretas. E através desse processo, finalmente conseguimos transformar o que antes era uma visão vaga em algo concreto – em 200 a 300 peças musicais totalmente realizadas.

Como observação adicional, a escala e a energia do próprio acampamento de composição se tornaram um assunto bastante comentado na indústria musical dos EUA. De produtores lendários a talentos em ascensão, uma ampla gama de criadores – cada um com uma identidade musical distinta, adequada ao que imaginávamos como BTS 2.0 – participou. Um produtor veterano chegou a me dizer: “Não vejo um acampamento de compositores dessa magnitude desde os anos 2000”. Acampamentos de grande porte como esse não são mais comuns nos EUA, e muitos queriam fazer parte do retorno do BTS. Alguns produtores bastante conhecidos, que nem sequer tinham sido convidados, entraram em contato diretamente comigo, assim como com a equipe da HYBE e da BIGHIT MUSIC, perguntando se poderiam participar.

Você pode descrever a primeira vez que se sentou com todos eles novamente? Como foi a sensação e o que eles definitivamente queriam fazer?
Amigos antigos costumam dar a sensação de que o tempo não passou, mesmo depois de anos separados – como se tivessem se visto ontem. Foi exatamente assim que me senti quando reencontrei os membros. Depois da dispensa do serviço militar, tivemos um workshop na Coreia e, em seguida, nos reunimos novamente para o acampamento de música em Los Angeles. E, no entanto, aquele primeiro dia – apesar de tudo o que representava – foi, de certa forma, surpreendentemente comum.

Simplesmente trocamos cumprimentos breves e discretos – “Oi”, “Ah, você está aqui” – e então nos sentamos à mesa e começamos a trabalhar imediatamente. Observando todos se entregarem à música sem nenhuma cerimônia específica, percebi: “Estamos realmente recomeçando”.

O que eles queriam era claro. Não uma extensão de uma “boy band” acomodada em conquistas passadas, mas um retorno às suas raízes – provar, através da música, algo que só o BTS pode fazer neste momento.

Outro momento que me marcou foi mais recente – cerca de um mês antes do lançamento do álbum. Jantei informalmente com o RM e o Jung Kook, e depois fomos para a casa do Jung Kook, onde os outros membros acabaram se juntando a nós espontaneamente. Lá, sentamos juntos e ouvimos o álbum “ARIRANG” inteiro, que já estava finalizado, do começo ao fim, com total atenção. Apagamos todas as luzes e deixamos apenas uma iluminação ambiente suave, quase como se fosse nossa própria sessão de audição particular. Meio brincando, dissemos um para o outro: “Este álbum é uma obra-prima”, e acabamos ouvindo-o duas vezes do começo ao fim. Durante esse tempo, conversamos sobre a confiança que sentíamos em relação ao álbum. Olhando para trás, acho que essa confiança vinha do fato de os membros terem conseguido expressar plenamente o que realmente queriam dizer, juntamente com a identidade musical que desejavam transmitir. Nesse sentido, acredito que este álbum, “ARIRANG”, reflete verdadeiramente a direção que os próprios membros queriam seguir.

Qual foi a abordagem em relação à música em si? O K-pop, como toda música, mudou desde o último álbum do BTS. Como isso representou um desafio e uma oportunidade?
Com este álbum, tanto os membros quanto eu compartilhamos um objetivo claro e deliberado: ir além do rótulo de “boy band” — muitas vezes moldado por preconceitos profundamente enraizados na indústria musical ocidental — e consolidar o BTS como verdadeiros artistas.

No passado, muitos artistas que começaram em boy bands tentaram essa transição deixando seus grupos e seguindo carreiras solo. Mas nunca houve um caso real em que um grupo mantivesse sua identidade enquanto rompia completamente com esses preconceitos e se reinventava. Para alcançar isso, tomamos uma decisão consciente: respeitar profundamente o gênero e as tradições musicais de onde viemos — mas nunca nos deixar limitar por elas.

Ao mesmo tempo, queríamos que as letras e as mensagens refletissem, com mais honestidade do que antes, como vemos o mundo e o que sentimos neste exato momento.

De muitas maneiras, esse tipo de trabalho exige que os artistas se revelem completamente – que exponham não apenas seus pensamentos, mas também suas vulnerabilidades. É por isso que este álbum representa o BTS como eles são hoje – os sete membros em si, sua expressão sincera de seus eus interiores.

Olhando além do próprio grupo, de uma perspectiva da indústria, espero que o novo álbum do BTS possa servir como um catalisador para propor duas mudanças significativas no mercado do K-pop.

Primeiro, espero que ele expanda os horizontes do que a carreira de um artista pode ser. O BTS já ultrapassou o que costuma ser chamado de “barreira dos sete anos”, estendendo significativamente a vida útil de um grupo de K-pop. Hoje, muitos artistas mantêm carreiras que duram bem mais de uma década. Mas desejo que este álbum vá além de simplesmente estender a longevidade em um sentido físico. Espero que ele se torne um catalisador para uma transformação mais significativa – uma que incentive o crescimento artístico contínuo e a reinvenção.

Em segundo lugar, espero que isso ajude a impulsionar uma mudança na forma como os álbuns são vivenciados e consumidos – principalmente por meio de uma atenção renovada ao formato vinil (LP). Globalmente, o consumo de vinil continua a crescer, com o mercado americano sozinho registrando aumentos anuais de cerca de 20%. No entanto, no K-pop, o mercado ainda permanece fortemente centrado em CDs. Acredito que é hora de irmos além dos modelos de consumo existentes e abraçarmos novos motores de crescimento como o vinil – não apenas como um formato, mas como uma forma de se conectar com a música de maneira diferente.

O streaming de música permite acesso imediato, mas o vinil incentiva um relacionamento mais intencional e de longo prazo com a música – um relacionamento em que ela é colecionada, preservada e vivenciada mais profundamente. Mesmo com o último álbum do BTS, apesar de um aumento significativo na produção de vinil, algumas edições já esgotaram. Se um grupo como o BTS puder ajudar a liderar essa mudança, acredito que isso poderá trazer um novo impulso e energia para uma indústria do K-pop que há muito tempo se concentra no consumo de CDs.

Como eles mudaram? Qual foi a maior mudança que você percebeu na atitude deles em relação à indústria musical e à música em si?
A dinâmica [de trabalho] permaneceu a mesma: eu ouvia as ideias dos membros e ajudava a moldá-las em uma direção mais clara, e eles então davam vida a essas ideias na música com seu próprio estilo. Quando eu sugeria revisões, nós as discutíamos juntos e refinávamos o trabalho em colaboração. Como antes, eu trocava mensagens com o RM sobre as letras em tempo real, fazendo ajustes conforme avançávamos. Também continuamos com a prática de nos reunirmos antes das sessões com produtores externos, passando horas ouvindo o que tínhamos trabalhado e alinhando a direção.

O que mudou foram as capacidades dos membros — ou, mais precisamente, o quanto eles evoluíram. Ainda me lembro da primeira vez que ouvi “Into the Sun”, uma faixa em que o V trabalhou. No passado, o V não se envolvia tanto na composição ou na contribuição com várias faixas para os álbuns do BTS, mas essa faixa se destacou como um trabalho excepcional. Esse tipo de crescimento foi evidente em todos os membros.

À medida que os membros cresceram como artistas, o processo naturalmente se tornou mais conduzido por eles. Eu me esforcei para intervir apenas quando necessário. Aliás, houve momentos em que eles me procuravam quando se sentiam bloqueados, pedindo orientação ou uma inspiração. Meu papel neste álbum foi, em grande parte, ajudar a moldar a direção geral e opinar sobre algumas decisões importantes.

O BTS é mais do que apenas uma banda pop: eles são um tesouro nacional. Como você lidou com a pressão de fazer do retorno deles um sucesso?
Como mencionei antes, o peso que eu sentia era imenso, dada a importância histórica do BTS como grupo e o fato de que este era o retorno deles após quatro anos. E, no entanto, junto com essa sensação de pressão, havia também uma convicção estranhamente forte – de que este seria um álbum marcante e que os resultados seriam excepcionais. Mesmo quando os membros, durante o serviço militar, se abriam sobre suas incertezas e preocupações, eu me pegava dizendo algo com bastante calma para eles: “Vocês podem estar inseguros sobre si mesmos, mas tenho certeza de que vamos superar isso”.

Olhando para trás, acho que essa confiança vinha de uma profunda crença no BTS como artistas e da convicção, baseada na experiência, de que se nos dedicássemos totalmente ao processo juntos, inevitavelmente encontraríamos as respostas ao longo do caminho.

Por isso, em comparação com a pressão avassaladora do início, os 18 meses de produção em si pareceram, de certa forma, surpreendentemente tranquilos. Claro que cada dia trazia seus próprios desafios, e a escala e a complexidade do projeto eram diferentes de tudo que tínhamos vivenciado antes. O estresse diário era real e constante. Mas, em algum lugar profundo dentro de mim, meu estado de espírito permanecia lúcido e estável – quase como a superfície de um lago calmo. Foi, de muitas maneiras, um período irônico, porém notável – um período no qual consegui manter uma sensação de serenidade interior mesmo em meio a uma turbulência sem precedentes.

Quais riscos vocês correram?
Os riscos que corremos no processo de produção foram significativos. A maior dúvida era se o público aceitaria de fato a transformação que imaginávamos para o “BTS 2.0”. Para tornar essa mudança possível, tomei duas decisões deliberadas para me afastar das fórmulas que já haviam sido comprovadas.

A primeira foi uma mudança na linguagem visual. Abandonamos completamente a abordagem tradicional do K-pop de apresentar os artistas em sua forma mais polida, estilizada e visualmente impactante. Em vez disso, optamos por nos manter fiéis à mensagem do álbum – focando menos no espetáculo externo e mais em capturar os membros como eles são, como pessoas, e a beleza que vem dessa autenticidade.

A segunda foi uma decisão que remodelou fundamentalmente o papel da performance. O maior risco neste projeto era se o público aceitaria a mudança ousada que definimos como “BTS 2.0”. Em particular, quando se tratava de coreografia, duas formas contrastantes de assumir riscos foram buscadas simultaneamente.

Primeiro, foi necessário descartar completamente a fórmula de sucesso existente. À medida que nos aproximávamos das etapas finais do processo, a coreografia ainda não havia sido finalizada e os membros, sentindo-se exaustos, vieram até mim e expressaram sua decepção, perguntando por que estavam sendo deixados sem uma direção clara.

Até aquele momento, eu havia me contido intencionalmente, querendo respeitar a visão deles em áreas além da própria música. Mas, após aquela conversa, intervi diretamente e tomei a decisão de recomeçar tudo – descartar todos os rascunhos de coreografia existentes.

Em particular, para faixas como “Swim” e “Hooligan”, a coreografia foi revisada a um nível tão mínimo que quase parecia que não havia nenhuma. Os membros questionaram essa abordagem, perguntando se ela realmente refletia o BTS.

Respondi dizendo: “Vocês já possuem uma aura capaz de dominar um palco simplesmente por existirem. Para artistas como vocês, ficar parados pode ser mais do que suficiente. O tipo de coreografia intensa que vocês apresentaram no passado pode, às vezes, ofuscar a música. Simplesmente seguir os métodos adotados pela nova geração – métodos que vocês mesmos criaram – não condiz com o peso e a importância que vocês carregam agora. Se escolheram abrir um novo capítulo, precisam apresentar um novo tipo de performance – uma que permita que a própria música seja ouvida.”

Foram necessárias quase duas semanas experimentando ambas as abordagens – repetindo, comparando, sentindo a diferença – até que os membros começassem a entender completamente.

Ao mesmo tempo, também precisávamos estabelecer um novo padrão que atendesse às expectativas dos fãs que associam o BTS a coreografias poderosas e perfeitamente sincronizadas. Eu não acreditava que poderíamos simplesmente repetir o estilo de coreografia precisa do K-pop que o BTS, de muitas maneiras, ajudou a definir. Em vez disso, o que precisávamos era de uma performance que pudesse declarar: “Este é o nível do BTS”, ao mesmo tempo que abrisse um novo horizonte para a coreografia do K-pop.

Na verdade, alguns dos vocalistas inicialmente se opuseram à inclusão da faixa, dizendo que não estavam confiantes de que conseguiriam interpretá-la completamente. No entanto, eu sentia fortemente que “2.0” tinha que ser incluída. Em vez de depender da energia explosiva e extrovertida do nosso estilo anterior, esta faixa foi construída sobre uma intensidade mais controlada e interna — uma que condensa a energia, ao mesmo tempo que carrega com precisão a herança do BTS — e, portanto, era essencial para o álbum.

Qual a importância de “Arirang” na Coreia e por que você sugeriu que esse fosse o título do álbum?
Na Coreia, “Arirang” é muito mais do que uma canção folclórica tradicional. Ela carrega um sentimento terno e agridoce de tristeza, enraizado na separação e na saudade, ao mesmo tempo que transforma essa emoção em energia e heung — simbolizando a resiliência e a vitalidade com que os coreanos superam as dificuldades. É, de muitas maneiras, um “legado vivo” — algo que é continuamente remodelado e reinterpretado dependendo de quem o canta. Eu acreditava que essa estrutura emocional era o veículo mais preciso e poderoso para expressar o panorama interior do BTS como eles são hoje. É por isso que propus Arirang como o conceito central deste álbum.

Ao conversar longamente com os membros durante todo o processo, lembrei-me de que, apesar de sua posição como ícones globais, eles permanecem, em sua essência, jovens que ainda lidam profundamente com questões de identidade. Para usar a expressão do RM, eles eram “caipiras da Coreia”, navegando por um palco global desconhecido — experimentando uma sensação de confusão ao longo do caminho, enquanto também carregavam o “peso dos holofotes” e um profundo senso de responsabilidade, independentemente de suas próprias intenções. Era, de muitas maneiras, imenso. Eu acreditava que o cerne deste projeto era revelar da forma mais autêntica possível as lutas humanas — e o “eu fragmentado” — que se escondem sob sua imagem heroica.

Por volta dessa época, me deparei com um relato histórico de 1896 sobre sete jovens coreanos que, enfrentando barreiras linguísticas e culturais desconhecidas em solo americano, deixaram para trás o que é considerado a primeira canção coreana registrada — “Arirang”. A imagem deles provando sua existência através da música em uma terra estrangeira há mais de 130 anos tinha uma semelhança impressionante com a situação que nossos membros enfrentam agora — retornando do serviço militar em 2025 e voltando ao palco global para abrir um novo capítulo como BTS 2.0. Não nos pareceu uma coincidência, mas sim uma sensação de um destino compartilhado e duradouro — um destino que pode ser compreendido através da perspectiva da diáspora.

O “Arirang” em que nos concentramos não é, de forma alguma, uma tristeza estática ou contida. Como é característico da música folclórica coreana, optamos por focar em sua resiliência — a maneira como transforma a dor da perda em um ritmo dinâmico e vivo. Acreditamos que, como artistas, o ato de revelar abertamente as próprias vulnerabilidades e encontrar forças para seguir em frente apesar dessa fragilidade é o que define a verdadeira essência do BTS.

Ao longo de todo esse processo, o que sempre enfatizei para todos os envolvidos foi que “Arirang” nunca deveria ser tratado como algo superficial ou unidimensional, nem reduzido a um slogan raso como “incluir ‘Arirang’ torna algo coreano” ou “o mais coreano é o mais global”.

No fim, “Arirang” se tornou a bússola mais clara – uma que reflete a jornada de 13 anos do BTS e aponta para a era de “A Love Beyond”, um amor que transcende fronteiras e gerações. Essa música não é mais uma simples reinterpretação da tradição, mas uma expressão viva do próprio BTS – em constante evolução e emocionando o mundo neste exato momento.

Como coreano, como você se sentiu ao ouvir milhares de pessoas cantando “Arirang” junto com o BTS em “Body to Body”, que é oficialmente um sucesso global?
Mesmo quando o BTS apresentou outro sucesso global, “MIC Drop”, lembro-me de ter ficado profundamente comovido(a) com o momento em que fãs de todo o mundo – falando diferentes idiomas – cantaram trechos da música em coreano em perfeita sincronia. Ver isso pela primeira vez foi incrivelmente impactante. Com “Body to Body”, no entanto, a experiência foi ainda mais profunda e complexa.

O BTS pode não ter tido essa intenção, mas na Coreia, eles são frequentemente vistos como uma espécie de representantes nacionais. É claro que, no início, houve várias discussões e opiniões divergentes entre os membros e a equipe sobre a incorporação de um elemento folclórico coreano tão marcante como o “Arirang” na música. Como produtor, porém, minha perspectiva era que, como artista, optar por abrir mão de algo que poderia gerar um impacto emocional tão poderoso — tanto por razões internas quanto externas — poderia ser algo que nos arrependeríamos no futuro. Eu não queria que o BTS perdesse a oportunidade de criar um momento que deixasse uma impressão duradoura tanto nos fãs quanto no público em geral. No fim, conseguimos chegar a um entendimento comum com os membros e, juntos, testemunhamos o que hoje se tornou um momento icônico.

Em uma reunião posterior, os membros compartilharam, entre risos: “A princípio, estávamos preocupados que pudesse parecer ‘marketing nacionalista demais’. Mas, depois de mostrarmos a música para as pessoas ao nosso redor, todos os coreanos com quem conversamos disseram que sentiram arrepios e ficaram profundamente comovidos quando ‘Arirang’ começou a tocar. Parece que vocês estavam certos de novo.”

Outro belo toque coreano foi a inclusão do “Emille” do Sino Sagrado do Grande Rei Seongdeok como parte do álbum “No. 29”, outra ideia sua. Qual é o significado do Sino Sagrado na cultura coreana e qual o seu propósito neste álbum?
Ao ouvir o álbum, você notará um claro contraste entre a primeira e a segunda metade. A seção de abertura transmite uma sensação de grandiosidade — quase como se anunciasse o “retorno de um rei” — refletindo o retorno do BTS após quase quatro anos. Em contraste, a segunda metade apresenta um tom mais contido e introspectivo, capturando as emoções sinceras e as lutas internas de jovens carregando o peso dessa coroa. Unir esses dois climas contrastantes foi algo em que pensei cuidadosamente. Senti que introduzir o som do sino poderia criar uma espécie de passagem meditativa, permitindo que os ouvintes transitassem naturalmente para a segunda metade do álbum. Embora seja comum que os álbuns incluam um interlúdio para mudar o clima, estes são normalmente compostos como faixas instrumentais separadas. Neste caso, porém, usar apenas o som do sino — sem quaisquer elementos musicais adicionais — foi uma abordagem nova para nós.

Essa ideia surgiu quando visitei o Museu Nacional da Coreia no ano passado, onde o diretor Yoo Hong-jun me apresentou pessoalmente ao som do Sino Sagrado do Grande Rei Seongdeok. Ele gentilmente me ofereceu uma visita guiada particular pelo museu e me disse: “Se você faz música, precisa ouvir isso”, antes de me conduzir a um espaço de exposição dedicado ao sino. Passei um bom tempo lá, sentado, ouvindo o som e aprendendo sobre sua história e significado. Ele explicou como eram notáveis ​​tanto o trabalho artesanal quanto as qualidades acústicas, especialmente considerando o período em que foi criado. Foi naquele momento que senti que esse som deveria ser usado como um interlúdio no álbum.

Tradicionalmente, os sinos do Leste Asiático são projetados para produzir uma ressonância profunda e sustentada, e o Sino Sagrado do Grande Rei Seongdeok é frequentemente considerado o ápice dessa arte. O sino é projetado para que seu som ressoe em um ciclo contínuo, quase ininterrupto — persistindo como se pudesse se dissipar, mas nunca desaparecendo completamente. Esse fenômeno é conhecido como “maengnori”. De maneira semelhante, eu queria que este álbum carregasse a esperança de que a música do BTS ressoasse com um eco duradouro ao longo do tempo. Ao mesmo tempo, pensei que esta faixa naturalmente despertaria a curiosidade dos ouvintes, independentemente de sua origem. Em particular, eu esperava que ouvintes internacionais, atraídos por essa curiosidade, pudessem explorar seu significado e história e, ao fazê-lo, obter uma compreensão mais profunda da herança cultural coreana.

Os últimos anos testemunharam um ressurgimento do orgulho nacional na música pop. Ótimos exemplos incluem Bad Bunny e seu álbum “DeBÍ TiRAR MáS FOToS”, eminentemente porto-riquenho. Chegou a hora da Coreia ter embaixadores musicais especiais como o BTS e “ARIRANG”?

Acredito que, com este álbum, o BTS se tornará um ícone — não apenas por representar a Coreia, mas como artistas pop universais e uma presença icônica por si só. Quando a Netflix promoveu a transmissão ao vivo do retorno do BTS, usou a frase “A MAIOR BANDA DO MUNDO”. Vejo isso não como um slogan, mas como um reflexo da realidade.

Essa é uma expressão que costumo usar internamente, mas acredito que o BTS está se tornando uma espécie de destino. Embora seja verdade que eles chegaram a esse ponto graças à força de seu fandom, agora estão indo além do fandom — emergindo como um grupo amplamente reconhecido e abraçado pelo público em geral em escala global. Da mesma forma que as pessoas querem visitar a Disneylândia quando ela abre ou se sentem compelidas a assistir a um novo filme da Marvel quando é lançado, o BTS está se tornando um artista que atrai as pessoas naturalmente. Em outras palavras, eles estão expandindo os limites de um fandom concentrado, evoluindo para um grupo que também pode engajar e atrair um público muito mais amplo.

Tenho certeza de que a presença de um artista como o BTS também contribuirá para expandir o mercado e aumentar o interesse geral na cena K-pop em geral. Todo gênero precisa, em última análise, de artistas transformadores que possam representá-lo e redefini-lo. É por meio desses artistas — e dos momentos que eles criam — que os limites de um gênero são expandidos, atraindo públicos além de sua base existente. O BTS desempenhou esse papel no K-pop, e espero que seu retorno, depois de algum tempo, ajude a impulsionar um novo ímpeto para a indústria musical coreana como um todo.

[Este conteúdo foi traduzido da Billboard. Leia o texto original, em inglês, aqui.]